Uno degli obiettivi di EOS App è essere un veloce manuale d’istruzioni sull’utilizzo della reflex digitale, da avere sempre in tasca e a portata di mano. Ma non finisce qui, EOS App si propone di mettere in contatto gli utenti con i rivenditori specializzati nella fascia professionale, un vero e proprio network fatto di specialisti pronti a offrire un’elevata consulenza durante le fasi di acquisto e vendita e nell'utilizzo del prodotto.

I dettagli di Canon EOS App
L’applicazione, compatibile con i dispositivi iPhone, iPad e iPod Touch, è suddivisa in quattro sezioni: Ghiera, Prodotti, Rivenditori, Utility. La prima è la funzione più “fun”, sullo schermo dell’iPhone appare una ghiera che riporta le stesse icone di modalità di scena presenti nelle reflex digitali Canon, partendo dalla versione entry level fino all’ammiraglia della casa nipponica.
Ruotando la ghiera ci si posiziona su una determinata funzione, e l’applicazione fornisce descrizione e consigli utili su come utilizzarla al meglio.

Nella sezione Prodotti si possono ottenere informazioni generali e specifiche tecniche sui modelli di reflex, obiettivi e accessori. Selezionando la categoria di interesse e cliccando sul prodotto scelto, si otterrà una scheda dettagliata con foto, descrizione e caratteristiche tecniche di quel determinato articolo.

La sezione Rivenditori risponde invece all’esigenza di agevolare gli utenti nella ricerca dei dealer Canon più vicini, specializzati nella fascia professionale del sistema EOS. La ricerca può essere effettuata per località, inserendo nel motore di ricerca città, provincia o regione desiderata, oppure per posizione: cliccando sul bottone apposito, il gps integrato individuerà automaticamente i rivenditori più vicini. Qualsiasi percorso sceglierà l’utente, il risultato finale sarà una scheda interattiva con nome e recapiti del rivenditore selezionato, la possibilità di inoltrare una chiamata diretta sul numero, visitare il sito attraverso il link e informazioni stradali grazie all’integrazione con Google Maps.

L’ultima sezione, denominata Utility, è una raccolta di risorse e documenti utili per tutti gli utenti, tra cui un glossario e Tips & Tricks offerti da Canon sul sito. È possibile avere inoltre tutti i riferimenti dell’Azienda grazie alla sezione link utili che segnala il sito web e i profili sui vari social network.

Un’applicazione semplice e utile che prevede di essere implementata in seguito con ulteriori funzionalità. Grazie a Canon EOS App gli appassionati di tecnologia fotografica potranno approfondire la conoscenza sul mondo reflex in ogni momento e dare libero sfogo alla propria passione per la fotografia. Ma come ogni application, anche EOS App è in continuo aggiornamento, in anteprima i prossimi temi che saranno sviluppati: completamento della gamma accessori, arricchimento dei contenuti all’interno delle schede prodotto (es. chart MTF), e nuove informazioni di base sull’uso della fotocamera. Non resta che scaricarla, è gratis: http://itunes.apple.com/it/app/eos-app/id403717721?mt=8

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FinePix X100 è una fotocamera pensata per accontetare i gusti di chi normalmente utilizza la reflex, ma ha anche la necessità di avere uno strumento di dimensioni contenute senza perdere eccessivamente la qualità. 

Ecco perché questa macchina fotografica compatta è dotata di un sensore da 12,3 megapixel APS-C, un obiettivo fisso Fujinon 23mm f/2 ed un mirino ibrido.

Fujifilm ha pubblicato alcuni dettagli aggiuntivi sulla X100. Si scopre, così, che avrà 3 modalità di messa a fuoco ed un pulsante “raw” che consente di abilitare il salvataggio dello scatto anche in RAW quando si fotografa in modalità Jpeg. Sarà presente anche un pulsante che darà accesso alle impostazioni della sensibilità iso.

La cosa appare molto interessante, peccato che il prezzo previsto supera addirittura i 1000€. 

Clicca qui per ulteriori dettagli.

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Qualità delle immagini XEED: la differenza è lampante
XEED WUX4000 sfrutta la consolidata tecnologia dei pannelli LCOS di Canon, garantendo colori fedeli e immagini prive di effetto reticolo a risoluzione nativa WUXGA (1920 x 1200 pixel). La combinazione di tecnologia LCOS e alta risoluzione consente di preservare ogni dettaglio dell'immagine, con testi chiari anche se di piccole dimensioni e linee sottili ben leggibili.

Essendo un proiettore LCOS, WUX4000 è in grado di fornire colori e gradazioni di grigio eccezionalmente uniformi ed estesi, ponendosi al di sopra di molti modelli DLP a chip singolo. Con una luminosità di 4000 lumen e rapporto di contrasto di 1000:1, XEED WUX4000 eccelle con le immagini fotografiche, dove i suoi colori vivaci staccano nettamente molti altri proiettori da installazione WUXGA.

La risoluzione nativa WUXGA ha un formato 16:10, ideale per l'uso con l'attuale generazione di computer portatili PC e Macintosh. Quindi, WUX4000 è la scelta perfetta per l'installazione in qualsiasi sala riunione, studio, laboratorio o ufficio in cui sono richieste presentazioni professionali pulite e vivaci.

Supporto per una vasta gamma di ambienti
WUX4000 è il più flessibile proiettore Canon costruito finora, progettato per soddisfare le esigenze della più ampia gamma di ambienti di installazione. Il proiettore è completato da una serie di tre obiettivi opzionali: un obiettivo zoom standard (RS-IL01ST), un obiettivo zoom tele (RS-IL02LZ) e un obiettivo a focale fissa grandangolare (RS-IL03WF), quest’ultimo particolarmente adatto per applicazioni di retroproiezione. Naturalmente per questi obiettivi è assicurata la consueta qualità dei prodotti ottici Canon, con i più alti livelli di luminosità e di geometria dell'immagine.

Molto utile per gli installatori, lo spostamento motorizzato orizzontale e verticale dell’obiettivo consente di posizionare l'immagine proiettata senza penalizzarne la qualità con l’uso della correzione trapezoidale. Gli installatori possono quindi scegliere la posizione del proiettore WUX4000 senza dover allineare con precisione l'asse ottico con il centro dello schermo; ciò è particolarmente utile quando apparecchi di illuminazione o prese per l’aria condizionata potrebbero altrimenti ostacolare l’installazione del proiettore. WUX4000 può anche essere installato in verticale, consentendo la proiezione diretta su pavimento o soffitto.

Facilità di manutenzione con bassi costi di gestione
WUX4000 è ottimizzato per una facile manutenzione, con un design modulare che permette di sostituire lampada e filtro aria con l’unità in situ; questo permette di ridurre drasticamente i tempi dell’operazione, dal momento che il proiettore non deve più essere disinstallato. Inoltre, è possibile sostituire alcuni filtri ottici smontando pochissime parti e semplificando notevolmente la procedura.

L’efficienza del raffreddamento è stata migliorata ottimizzando il design interno e i flussi d’aria separati per lampada e pannelli LCOS. La modalità silenziosa, che riduce la rumorosità ad appena 36 dBA, estende la durata di vita della lampada da 3000 ore fino ad un massimo di 4000 ore. Facile da integrare e collegare WUX4000 supporta PJLink, un protocollo standard progettato per semplificare l'installazione di proiettori e sistemi di controllo di diversi produttori. Ciò lo rende facile da integrare in ambienti misti, o per aggiornare sistemi esistenti.

WUX4000 può anche essere collegato direttamente a una rete per il controllo e il monitoraggio e viene fornito con un telecomando che può essere programmato per operare su uno qualsiasi di quattro diversi canali a infrarossi. Ciò consente il controllo indipendente di più proiettori WUX4000 nella stessa stanza. Il telecomando può anche essere impostato per operare su tutti e quattro i canali IR simultaneamente.

WUX4000 sarà in vendita dal mese di aprile 2011.

Principali caratteristiche e prezzi
o Risoluzione nativa WUXGA (1920 x 1200 pixel) e capacità Full HD (1080p)
o Tecnologia LCOS per immagini senza soluzione di continuità
o 4000 lumen e rapporto di contrasto 1000:1
o Decentramento obiettivo orizzontale e verticale, zoom e messa a fuoco motorizzati o Tre obiettivi intercambiabili
o Porta DVI e connessione HDMI™ per l'ingresso di immagini digitali
o Porta di rete per controllo e monitoraggio, compatibile PJLink o Modalità simulazione DICOM e modalità Foto
o Semplice manutenzione
o Disponibile dal mese di aprile 2011

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Il download è già disponibile e – secondo quanto dice la società – la versione 1.02 le Casio EX-S200 e la versione 1.01 per Casio EX-Z800 migliorano la velocità del display, l'immagine adesso appare immediatamente dopo lo scatto. La versione 1.01 per il modello EX-Z550, invece, risolve il problema legato al formaro 3:2.

Download
Casio EX-S200 V1.02
Casio EX-Z550 V1.01
Casio EX-Z800 V1.01

Seguite attentamente le istruzioni!

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Dal mestiere all’opera presenta una selezione di circa cento stampe originali, le più celebri accanto ad altre praticamente inedite, scelte in gran parte nel suo atelier e in importanti collezioni pubbliche e private francesi.

L’ampia selezione, arricchita da documenti privati e testimonianze raccolte con l’aiuto amorevole delle figlie del fotografo, propone una rilettura critica e aggiornata per mostrare come la bellezza apparentemente spontanea delle sue immagini fosse frutto di grande lavoro, e come, in pratica, Doisneau sia riuscito nella sua vita a passare dal mestiere all’opera con una gravità insospettabile, fermando sulla pellicola frammenti di un mondo di cui voleva provare l’esistenza.

Ma oltre le strade di Parigi, dove incontrava e ritraeva amanti e bambini, Doisneau ha realizzato anche sorprendenti e inaspettate fotografie a colori. Era il 1960 quando la rivista Fortune incaricò il fotografo francese di raccontare la vita di una città particolare, nata come un fiore sgargiante nel deserto della California: Palm Springs. Doisneau accettò la sfida e tra la sabbia del deserto, le palme, il cielo blu cobalto, gli abiti chiassosi dei suoi abitanti, i cocktail e i campi da golf, compose il suo personale sogno americano, non in bianco e nero ma raccontato con un’esplosione di colori.

Le immagini dell’album Palm Springs 1960, presentate ora per la prima volta in Italia, mostrano un aspetto poco conosciuto del grande fotografo e sorprenderanno anche il visitatore più esperto trasportandolo in un universo festoso e ironico.

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Soluzioni Arte è il primo laboratorio in Italia che nasce per risolvere tutti i possibili aspetti e bisogni legati alla produzione d’immagini destinate al mercato della fine art e della fotografia d’autore. Il problema della durata nel tempo della stampa, ad esempio, è senz’altro molto sentito da gallerie e collezionisti.

Per questo, Soluzioni Arte produce achival print (anche chiamate Giclée fine art print), realizzate con materiali e inchiostri testati e garantiti per una durata media di 100 anni (il procedimento è attestato da un timbro a secco posto sul retro di ogni stampa). Questo tipo di stampe sono ormai le uniche accettate da istituzioni e musei in tutto il mondo.

Un’altra problematica che ha tenuto a lungo lontani i collezionisti dal mercato della fotografia e dei multipli in genere, è legata alla certezza del numero di copie realizzate. Per questo Soluzioni Arte, in collaborazione con Hahnemuehle, fornisce un certificato di autenticità con ologramma numerato (sulla stampa e sul certificato appaiono due ologrammi irriproducibili con lo stesso numero), a garanzia dell’originalità e dell’unicità della copia.

Soluzioni Arte non è un semplice laboratorio ma segue l’artista nella realizzazione dell’immagine con apparecchiature digitali di altissimo livello, fornendo assistenti e consulenze, realizzando scansioni e soprattutto fornendo un servizio completo di postproduzione.

Il laboratorio ha già collaborato con Contrasto per importanti mostre, come William Klein. Roma Fotografie 1956-1960 esposta ai Mercati di Traiano dal 14 aprile al 25 luglio 2010.

Soluzioni Arte
Via Vidaschi 28 00152 Roma
Tel. e Fax +39 06 972 768 46
www.soluzioniarte.it
info@soluzioniarte.it

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Il nuovo modello è diverso quindi solo nello stile che ricorda quello delle vecchie macchine fotografiche a pellicola. E' un design unico dedicato ai fotografi più entusiasti e attenti anche alle apparenze.

Naturalmente, non da meno sono le caratteristiche tecniche che rendono questa macchina fotografica user-friendly e di qualità grazie ai 12.1 megapixel di risoluzione, zoom ottico 5X (equivalente ad un 28mm) e CCD-shift-type shake reduction con diversi filtri e opzioni creative. 

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Fotografia e architettura: conversazioni con i protagonisti

di

Maria Letizia Gagliardi
- Contrasto –

Venerdì 11 giugno
Ore 12:00

 Ex Mattatoio di Testaccio
Aula Ersoch
 Piazza Orazio Giustiniani, 4 – Roma

I protagonisti della fotografia di architettura raccontano il loro stile e la loro visione in un nuovo libro della collezione LOGOS. Ventisei interviste realizzate da Maria Letizia Gagliardi. Diciotto domande per ogni intervista. Il volume rappresenta un dibattito-analisi importante e necessario sui rapporti tra fotografia e architettura.
 
Attraverso lo strumento dell’intervista, Maria Letizia Gagliardi, architetto e docente all’Università di Udine, mette a confronto i diversi punti di vista dei più autorevoli fotografi italiani di architettura e paesaggio per approfondire con loro i temi e le tecniche della fotografia di architettura degli ultimi dieci anni.
Si realizza così una “tavola rotonda virtuale” fra gli autori italiani sulla comunicazione, la rappresentazione, il valore della documentazione e dell’interpretazione dell’architettura e del paesaggio urbano.
Ogni intervista è inoltre accompagnata da un’immagine particolarmente significativa dell’opera di ogni fotografo scelta dallo stesso autore.
 
Questi gli autori intervistati: Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Gianantonio battistella, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, Vincenzo Castella, Alessandra Chemollo, Giovanni Chiaramonte, Patrizia Della Porta, Daniele Domenicali, Vittore Fossati, Guido Guidi, Marco Introini, Francesco Jodice, Moreno Maggi, Duccio Malagamba, Maurizio Montagna, Alberto Muciaccia, Pino Musi, Lorenzo Mussi, Emanuele Piccardo, Filippo Romano, Paolo Rosselli, Massimo Vitali, Italo Zannier, Marco Zanta.
 
A corredo delle interviste, nel libro ci sono anche i testi di Alberto Pratelli, Massimo Rossetti e della stessa Maria Letizia Gagliardi. Facendo riferimento al punto di vista dell’architetto, nei loro scritti si indaga l’aspetto rappresentativo, comunicativo e descrittivo della fotografia di architettura contemporanea, tessendo così il contesto culturale nel quale si snodano le riflessioni dei singoli fotografi.
 
FORMATO: 15 x 21 cm
PAGINE: 150
FOTOGRAFIE: 26 a colori e in b/n
Brossura con sovraccoperta
Euro 21,90
Contrasto

Maria Letizia Gagliardi. Nasce a Roma nel 1963. Architetto e dottore di ricerca in Ingegneria Civile, è docente a contratto presso la Facoltà di Ingegneria dell’Università degli Studi di Udine, Corso di Studi in Architettura. Dal 1992 svolge attività di ricerca sugli strumenti per la comunicazione dell’architettura, in particolare sull’uso della fotografia e del video per la divulgazione e la didattica delle teorie del progetto architettonico, dell’architettura costruita e dello spazio urbano.
 
Marco Zanta. Nasce a Treviso nel 1962. Inizia ad occuparsi di fotografia alla metà degli anni ’80, insieme a Paolo Costantini e Italo Zannier. Ha lavorato in Europa, Stati Uniti, Giappone. Fotografo di architettura, ha pubblicato diversi volumi, tra i quali Rumore Rosso, premiato come miglior libro fotografico italiano nel 2001, The Space Between del 2001, EuropaEuropa del 2004, Sulle apparenze, del 2005, Quarantanovegradi del 2006, e UrbanEurope del 2008 per Contrasto. Nel 2003 ha vinto il Programme Mosaique, del Centro National de l’Audiovisuel, in Lussemburgo. Nel 2008 il suo lavoro è stato presentato in una personale a Forma, centro internazionale di fotografia di Milano, e alla Maison Européenne de la Photograhie di Parigi. Marco Zanta è docente di Fotografia presso l’Università IUAV di Venezia, nella facoltà di Design e Arti.

Moreno Maggi. Nasce a La Spezia l’11 giugno 1957. Dopo aver compiuto gli studi superiori a La Spezia, si interessa contemporaneamente di fotografia, di marketing e di tecnologia.  Viaggia per tutto il  mondo e  vive e lavora a New York per 10 anni dove apre anche una propria compagnia.  Nel 1991 studia negli Stati Uniti fotografia di cronaca e di moda e fino al 1994 intraprende attività da assitente presso studi fotografici di New York. Dal 1994 lavora come fotografo a tempo pieno, dapprima come free lance per Elliot Fine, James D’Addio e Paul Warchol, interessandosi di fotografia d’architettura, commerciale, di interni, panoramica, industrial e di reportage. Dello stesso anno è la sua prima personale sui marmi di Carrara alla Galleria 1054 Canal Square a Washington. Le tecniche utilizzate sono dapprima quelle del formato analogico di tutti i tipi, cimentandosi anche nello sviluppo delle proprie foto in bianco e nero, anche se rimane sempre molto attento alle tecniche più innovative. Dal 2000 lavora in digitale. Dal 1999 organizza numerose personali in Italia, dove analizza l’opera di architetti contemporanei prevalentemente italiani (Renzo Piano, Massimiliano Fuksas, Giancarlo de Carlo, Paolo Portoghesi, Giovanni Leoni, Paolo Luccioni), ma anche stranieri, come Tadao Ando, Diego Ambasz   etc.   Allo stesso tempo continua l’ opera di documentazione fotografica dell’ Architettura  Razionale  italiana  (in particolare  riferita all’  opera di Adalberto Libera e Luigi Moretti).

Marco Introini. Nasce a Milano nel 1968 e si laurea in architettura presso il Politecnico di Milano. L’interesse verso la rappresentazione architettonica ha portato l’attenzione sulla fotografia di architettura e di paesaggio antropizzato. Nel 1999 riceve il premio nazionale Lombardia Effetto Paesaggio con la ricerca fotografica Architettura ed architetture dell’ argine maggiore del Po. Nel 2002 viene selezionato con la ricerca fotografica Città Europa per esporre alla X Mostra Fotoesordio 2002 (Museo dell'Immagine Fotografica e delle Arti Visuali) in collaborazione con il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nello stesso anno è stato selezionato al concorso FotoGribaudo organizzato in collaborazione con il Circuito Giovani Artisti Italiani. Curatore con Margherita De Carli della mostra nella casa di Luigi Figini presso la Triennale di Milano (Milano,2003). Selezionato alla rassegna Descubrimientos del Festival Internazionale PHotoEspaña05 con il progetto fotografico Paesaggio Analogico 05. Nel 2006 viene pubblicato all’interno del catalogo del Padiglione Italiano della X Biennale di Architettura curato da Franco Purini. Dal 2002 è docente di Fotografia dell’Architettura e Tecnica della Rappresentazione presso la facoltà di Architettura Civile del Politecnico di Milano. Collabora con le maggiori riviste e case editrici del settore.

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A differenza dei modelli DSLR convenzionali, la struttura senza specchio consente di ridurre lo spessore del corpo macchina, nel punto più sottile, a soli 24,2 mm (NEX-5) e 25,4 mm (NEX-3). 

La nuova videocamera sarà dotata dello stesso sensore utilizzato nei modelli NEX-5 e NEX-3. Sarà inoltre compatibile con le ottiche intercambiabili ad “Attacco E”, oltre che con la vasta gamma di obiettivi intercambiabili ad “Attacco A”, disponibili per le attuali fotocamere DSLR α, attraverso un apposito adattatore.

La nuova Nex sfrutterà quindi le caratteristiche migliori della famiglia in un corpo rinnovato nel design e facile da trasportare. Sarà disponibile sul mercato dal prossimo autunno.

Nex, caratteristiche di famiglia
Il cuore delle Nex è un sensore Exmor APS HD CMOS da 14.2 megapixel effettivi. La caratteristica principale di questo sensore è il suo essere più grande di quelli che generalmente vengono usati nelle fotocamere compatte, promettendo risultati migliori rispetto alle concorrenti.

La qualità di video e immagini è assicurata anche dal nuovo processore BIONZ, che promette una maggiore velocità di scatto, autofocus più preciso e il minimo ritardo al click. Tutte le Nex sono in grado di catturare immagini in movimento alla velocità di 7fps. 

L'interfaccia elegante è pensata per essere a sua volta user friendly, così da rendere il menu intuitivo e facile da usare con l'intento di permettere agli utenti di sfruttare al meglio la loro creatività. Una serie di opzioni automatizzate rendono tutto ancora più rapido e semplice. 

Tra le altre caratteristiche è da annoverare lo schermo LCD Xtra Fine da 3", dotato di tencologia TruBlack che permette lo spostamento in alto o in basso per facilitare la visione in base alla posizione di scatto. La tecnologia TruBlack assicura immagini più vivide e contrastate.

Inoltre, la compatibilità con un'ampia gamma di ottiche intercambiabili amplia le possibilità artistiche offerte dal sistema di attacco E.

Ideale per gli scatti di tutti i giorni, il compatto obiettivo ‘pancake’ E 16mm F/2,8 (SEL16F28) minimizza l'ingombro della macchina. Il campo di visione può però essere ulteriormente potenziato con la lente grandangolare VCL-ECU1 e la lente fisheye VCL-ECF1, che offrono elevate prestazioni ottiche in un elegante design coordinato.

Dotato di stabilizzatore ottico integrato SteadyShot per offrire scatti a mano libera sempre perfetti, lo zoom E 18-55 mm F/3,5-5,6 (SEL1855) è invece il compagno di viaggio perfetto.

Per garantire possibilità di scelta, le NEX-5 e NEX-3 sono disponibili in kit con l’obiettivo pancake o con lo zoom. L'adattatore opzionale LA-EA1 estende la compatibilità alla famiglia di ottiche α, costituita da 30 obiettivi e 2 moltiplicatori focali, oltre che a un vastissimo assortimento di altre ottiche ad attacco A (messa a fuoco solo manuale).

Le fotocamere NEX-5 e NEX-3 sono anche i primi modelli α a offrire la straordinaria praticità della registrazione video HD. Attraverso l'apposito tasto Movie REC, sia la NEX-3 che la NEX-5 consentono di realizzare filmati in Alta Definizione e audio stereo sotto forma di compatti file MPEG4, ideali da archiviare sul PC e da condividere sul web, mentre i video realizzati con la NEX-5 – in qualità Full HD (1920 x 1080i) e formato AVCHD – possono essere visualizzati su un televisore HD.

L'intelligente attacco porta-accessori, consente di collegare il microfono stereo compatto ECM-SST1 (opzionale) per accompagnare ai filmati HD un sonoro di altissima qualità.

I modelli NEX-5 e NEX-3 sono inoltre le prime fotocamere α a integrare la funzione Sweep Panorama, anche in versione 3D. Basta premere il pulsante dell'otturatore e fare compiere all'apparecchio una carrellata orizzontale o verticale per realizzare una rapida sequenza di fotogrammi, successivamente "incollati" automaticamente, per dare origine a foto panoramiche a 23 megapixel, ricche di dettagli, con un angolo di visione fino a 226 gradi4. I file panoramici possono essere ammirati anche in spettacolare qualità 3D sui televisori BRAVIA compatibili.

Le NEX-5 e NEX-3 sono in grado di realizzare una sequenza ad alta velocità di tre immagini, a diverso valore di esposizione, poi assemblati elettronicamente dalla fotocamera per produrre un'unica immagine High Dynamic Range, caratterizzata da una straordinaria ricchezza di dettagli, sia nei punti luminosi che nelle zone d'ombra.

Entrambe le fotocamer prevedono, in dotazione, un flash ultracompatto collegabile con l'intelligente attacco porta-accessori per gli scatti in ambienti scarsamente illuminati. Tra gli altri accessori opzionali, il mirino ottico FDA-SV1 e una scelta di tracolle e custodie in colori coordinati.

Le fotocamere α NEX-5 e NEX-3 di Sony saranno disponibili a partire dall'estate 2010.

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I nuovi modelli vanno ad aggiungersi all’innovativa linea di stampanti Kodak che stanno rivoluzionando il settore della stampa inkjet, offrendo il più basso costo sul mercato per la sostituzione delle cartucce.

Le stampanti KODAK ESP 3250 ed 5250 sono progettate per stampare con efficienza a una velocità fino a 30 pagine per minuto in nero e 19 pagine al minuto a colori. Inoltre, entrambe garantiscono una miglior gestione della carta: il sistema di caricamento intelligente regola automaticamente le impostazioni in base al tipo e alle dimensioni della carta e riduce sia i tempi sia gli errori di stampa. Grazie al display LCD a colori e agli slot per memory card, le stampanti ESP 3250 ed ESP 5250 rendono più facile che mai la realizzazione di documenti (a colori e in bianco e nero) e di foto senza utilizzare il computer.

• La stampante multifunzione KODAK ESP 3250 (prezzo consigliato al pubblico 119 Euro) è fornita di un display LCD a colori da 1,5 pollici, slot per memory card per facilitare la visualizzazione e la stampa delle immagini senza utilizzare il computer.

• La stampante multifunzione KODAK ESP 5250 (prezzo consigliato al pubblico 149 Euro) integra un sistema Wi-Fi, garantendo efficienza, flessibilità e la libertà di stampare ovunque in casa in modalità wireless. La stampante è dotata anche di un display LCD a colori da 2,4 pollici e slot per memory card in modo da visualizzare, modificare e stampare le proprie foto.

Qualità e risultati al minor prezzo
Le stampanti multifunzione Kodak usano gli inchiostri pigmentati Kodak premium. Questi vengono forniti in un semplice set di due cartucce, che consente ai clienti un risparmio medio di € 99 l'anno sull'inchiostro.

La cartuccia nera ha un prezzo consigliato di 9,99 Euro mentre la cartuccia a cinque colori ha un prezzo consigliato di 14,99 Euro. Inoltre, il risparmio è dovuto anche all’esclusiva tecnologia KODACOLOR, racchiusa in ogni stampante, grazia alla quale si stampano documenti impeccabili e foto con qualità da laboratorio Kodak. Questa tecnologia rappresenta una combinazione di quattro elementi: inchiostri a base di pigmenti, carta fotografica micro-porosa, Colore and Image Science e testina di stampa Micro-Electro-Mechanical-Systems (MEMS).

Inoltre, il software Kodak Home Centre comprende l’esclusiva funzione Facial Retouch che consente ai consumatori di migliorare le proprie foto personali direttamente da casa diminuendo automaticamente le imperfezioni e migliorando le caratteristiche dell’incarnato con un semplice click.

Il software Kodak All-in-One Home Centre contiene un lettore di caratteri ottico (Optical Character Reader – OCR) che consente la scansione di documenti di testo che possono poi essere modificati. Entrambe le stampanti, la ESP 3250 e la ESP 5250, sono qualificate ENERGY STAR e comprendono funzioni come la stampa fronte-retro e la stampa di più pagine per foglio. In modalità “Standby” usano meno di un watt di energia. Entrambe rispettano inoltre la Direttiva dell'Unione Europea sulla Riduzione delle Sostanze Nocive (RoHS), che limita la presenza di alcune sostanze dannose negli apparecchi elettrici ed elettronici.

www.kodak.it

Fonte Google News

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Quando il mondo reale e quello onirico si sfiorano succedono cose incredibili che qualcuno è in grado di cogliere e mostrare meglio di altri, anche se spesso ricorre a qualche trucco o stratagemma per aiutare la visione e i sensi che la seguono.

Assemblando apparecchi di fortuna e spesso anche elementi appartenuti a giocattoli o concepiti per questi, Susan Burnstine ha costruito a questo scopo un suo personale ‘parco macchine’ e l’attrezzatura fotografica necessaria a visualizzare in-camera questa sorta di dimensione di mezzo senza dover ricorrere ad effetti realizzati in post produzione.

Rimanendo in bilico tra sogno e realtà, immaginazione e desiderio, le immagini sono suggestive come un ricordo che non si riesce o non si vuole mettere a fuoco, come una sensazione fuggevole della quale tra un momento non rimarrà che una traccia confusa, ed è proprio questo a renderle davvero intriganti al pari di un varco di accesso ad un’altra dimensione. Nel video alcune immagini e un’intervista alla fotografa americana.

In mostra con una collettiva alla Verve Gallery of Photography di Santa Fe, dal 28 agosto al 7 novembre 2009, Susan Burnstine sarà in mostra con una personale a dicembre 2009 alla The Canary Gallery di New Orleans, in concomitanza con PhotoNola.

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Zoriah ha pubblicato un reportage sullo stato delle persone che scappano dalle zone più calde dell’Afganistan e che sono arrivati a Parigi.

Individui che vivono in una sorta di limbo che non possono ottenere lo status di rifugiati ed il diritto ad un lavoro e che quindi sono costretti a passare giorni e notti sulle strade con il solo scopo di sopravvivere in attesa del futuro.

Alcuni continuano a cercare la possibilità di sistemarsi, mentre altri sono caduti già vittime dell’alcool. La maggior parte sono ex interpreti per l’esercito statunitense che hanno ricevuto minacce di morte dai talebani.

L’esercito gli ha consentito di viaggiare armati di una pistola, ma in molti hanno capito che non si può fare molto contro una manciata di talebani muniti di AK-47 ed hanno deciso di scappare lontani dalla propria terra.

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Una risata salverà il mondo. Per far fronte a un sistema sull’orlo del collasso, ridere resta una possibile chance. Istericamente, allegramente, provocatoriamente. Il riso abbonda sulla bocca di chi non ci sta…

pubblicato giovedì 2 luglio 2009

Un incipit esilarante. Comincia con un tripudio di risate la personale di Piero Steinle (Monaco di Baviera, 1959; vive a Monaco e Milano) al Centro d’arte Piana dei Colli, nuovo art-space palermitano ubicato nella recuperata villa settecentesca della famiglia Alliata e affidato alla direzione artistica di Giulia Ingarao.
Il frastuono si libera nella sala, in una reiterazione ossessiva e insensata dell’atto del ridere. Nella videoinstallazione su tre canali, The Triumph of Laughter, si susseguono brevi sequenze dell’assurdo in cui personaggi di etnia, età, estrazione sociale e professione differenti mettono in scena l’esperienza immotivata, parossistica, rituale del riso. Un vero e proprio teatro dell’allegrezza, che nell’isteria ridanciana vede la possibilità di un ritorno a un’animalità fuori controllo, esercizio di resistenza contro un sistema socioculturale alla deriva.
“Davanti alla vertiginosa visione del vuoto planetario creato dall’eccesso di pubblicità, dall’eccesso di spettacolo, dall’esuberanza delle immagini, il riso (umano troppo umano) con la sua azione sovversiva, è l’unica risposta a questa sfida del nulla”, scrive Marcello Faletra nel testo che accompagna l’esposizione. E torna alla mente il celebre slogan anarchico che nell’esplosione ilare, gonfia di sarcasmo, rintracciava un’ultima possibilità sovversiva e contestatoria: “Una risata vi seppellirà”, ovvero, la libertà passa attraverso una demolizione sottile e irriverente del potere.

E certo, appare un poco semplicistica la trovata di Steinle, che tra ironia e ottimismo dichiara: “Da artista propongo come soluzione universale la pura e semplice risata, individuale e collettiva: il riso trionfa sulla gravità del mondo e del denaro. Sarebbe la vera rivoluzione!“. Non priva d’ingenuità, la formula assume i tratti di una provocazione ludica con cui prendere di petto tematiche importanti e conosciute, già sul ciglio della retorica: globalizzazione, mercificazione, crisi dell’Occidente, controllo mediatico, decadenza dei costumi… Meno debole il côté antropologico del lavoro, evidenziato per esempio nelle sequenze su certi riti corali in India: qui la risata non è indotta dall’artista ma documentata in quanto fenomeno liberatorio di massa.
Torna l’attualità nella serie di video e fotografie Paradiesvögel: gli orridi “uccelli del paradiso” senza piume, stagliati contro fondi saturi dal sapore pop, sono esemplari di polli sottoposti a manipolazione genetica, presso un allevamento in Israele. Cibi ogm programmati con le caratteristiche ideali per un’immediata commercializzazione. Interessante lo spunto ma non del tutto efficace il risultato, in un progetto che indugia, con una leggerezza compiaciuta, su un’estetica patinata, artificiale, quasi pubblicitaria.

Terzo ciclo, infine, quello dedicato all’ozio. Il set, stavolta, è l’Islanda. Ampi paesaggi marini si alternano a immagini di stabilimenti per turisti con piscine riscaldate, in una giustapposizione fra natura incontaminata e microuniversi posticci per un benessere a pagamento. Al centro, completamente straniato, il primo piano di George W. Bush che annuncia in tv l’appena avvenuta strage delle Torri gemelle.
Ancora un salto dal quotidiano ai meccanismi perversi della politica, inseguendo una vis polemica acuta, destabilizzante e contagiosa. Proprio come una risata.

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helga marsala
mostra visitata l’11 giugno 2009

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pubblicato martedì 23 giugno 2009

A prima vista, il lavoro esposto alla Galleria Sonia Rosso è una semplice esposizione di serie fotografiche, vasti panorami desertici presi al tramonto, nella luce soffusa tra il blu e il rosso del vespro. Non si tratta però di quadri romantici o di raffigurazioni kitsch; traspare nella vastità di queste foto un senso di trapasso, di attesa, un qualcosa d’indefinito.
I lavori di Inaki Bonillas (Città del Messico, 1981) si muovono infatti su una linea sottile, fatta di piccoli spostamenti quasi impercettibili, come nei nove fogli di White lighting (2002) esposti nella collezione Jumex di Città del Messico, in cui l’artista cercava di mappare con la sua macchina fotografica le diverse varietà di tono assunte da un muro bianco esposto a luci neutre di diverse intensità.
Il lavoro in questione, Ya no, todavia no (2009), vuole invece raffigurare il momento di passaggio tra il giorno e la notte, l’istante in cui il buio non è ancora giunto, ma in cui il Sole è già tramontato. È quasi come se dovessimo dimenticarci delle parole che esprimono e codificano questo momento del giorno, il crepuscolo, per retrocedere a uno stato di stupore iniziale, di spavento e timore verso l’indefinito.
L’operazione di Bonillas non è però solamente un lavoro di gusto atmosferico; dopo la mostra a Barcellona, presso la galleria Projecte SD nel 2008, sul periodo trascorso dal nonno in un ranch del Wyoming, non è possibile non ammantare questo progetto anche di un amaro sapore sociale. Il paesaggio lunare accompagna l’osservatore verso una frontiera lontana, di là da venire, lasciando un senso d’insicurezza, come l’essere sperduti alla ricerca disperata di un confine da varcare, in balia delle intemperie.

Con la sua estetica quasi archivistica, Bonillas risulta fortemente legato alla scena internazionale, riproponendo quel gusto per il meticoloso e per le atmosfere notturne e sognanti che è stato importato di recente in Italia dalle grandi esposizioni di Birnbaum.
Bisogna riconoscere che il successo di Bonillas va tributato soprattutto all’interesse e all’attenzione che ha riscontrato presso illustri curatori internazionali, Obrist in testa, con cui ha lavorato proprio sul territorio della sua città, in uno dei luoghi simbolo del modernismo sudamericano, la casa Barragan. In quell’occasione, l’artista ha presentato una riflessione sui resti del vivace modernismo locale, quel movimento che ha posto le prime basi per la creazione della grande Città del Messico contemporanea, indiscutibilmente uno dei poli principali per le riflessioni sull’arte contemporanea.

Inaki Bonillas è infatti solo la punta di un sistema ampio e complesso che, negli ultimi anni, ha portato la città sull’altipiano a divenire centro di attrazione per artisti di tutto il mondo, e in cui gallerie, collezionisti e urbanisti fanno a gara con New York e San Paolo.

alberto osenga
mostra visitata il 10 giugno 2009

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Paesaggi lunari e deserti sbiaditi. Atmosfere surreali e interni aulici. Il silenzio accompagna nell’osservazione di scatti raffinati ma privi di vita. L’obiettivo amplifica e sottrae strati alla realtà, in cerca di passaggi ulteriori…

pubblicato mercoledì 1 luglio 2009

“Nella vita, come nell’arte, è difficile dire qualche cosa che sia altrettanto efficace del silenzio”: lo scrisse Ludwig Wittgenstein, filosofo tra i più logici e geniali del nostro tempo; e disse anche che il bene, in senso assoluto, è al di sopra della contingenza.
Da Alberto Peola, una collettiva di fotografia si pone al di sopra dei fenomeni temporali. Una visione estatica dell’universo, un invito alla contemplazione, uno scatto che blocca orizzonti distanti, ma accomunati dalla ricerca di un unico infinito, lontano da visioni terrene.
Una ricerca estetica che non vuole e non deve limitarsi a esser tale. Il bello che non si limita a essere gratificazione dell’intelletto e dell’immaginazione. Che pretende di ascendere al rango del sublime. Caratterizzata dallo sguardo attento di sette artisti impegnati a definire quel quid che unisce grandezza e intensità, distante, vagamente angosciante forse perché irraggiungibile. Non per nulla il sublime pone a livelli superiori ciò che non possiamo possedere diversamente.
Immagini ottenute con un’elaborazione che non è mai solo frutto del rapimento di un istante. Una frazione di secondo a cui si associano fattori di varia natura: contrasti tonali, inquadrature che s’imbevono della magia necessaria a estrarre dal reale piani e linee essenziali. Quelli idonei a conferire l’aura di accesso a un’idea di purezza, di ordine che diventa rigore.

Tutti gli artisti coinvolti, alcuni dei quali ampiamente consacrati dal sistema artistico internazionale, presentano immagini di paesaggi fermi, senza ombra di vita.
Olafur Eliasson, il mago della luce, riesce a moltiplicarne gli effetti anche senza sovrastrutture tecnologiche. Riveste d’argento le sinuose colline della terra di ghiaccio, l’Islanda, sotto un cielo vuoto e dominante, che sfuma le linee all’orizzonte in un’atmosfera surreale.
Anche Paola De Pietri si concentra sull’infinito: a questo scopo abbassa l’orizzonte e filtra il paesaggio fino a renderlo inessenziale, come se l’immagine fosse stata elaborata con acidi capaci di togliere consistenza alla materia e renderla senza dimensione, senza spessore, superficie piatta in cui anche il colore appare dissolto, sbiadito.
Candida Höfer presenta il suo tema ricorrente, l’interno di due edifici pubblici, esaminati nelle linee di forza della loro composizione architettonica, e sottraendo allo sfalsamento dei piani le tonalità che caratterizzano la profondità, per privilegiare le masse luminose e aggettanti. Un’esaltazione del rigore formale nella sua solennità, una firma aulica della simmetria.

La scelta dello sfondo scuro esalta infine l’unicità del soggetto di Sophy Rickett, seriale nella sua specificità. Molto meno poetico dei suoi lavori precedenti nella pretesa di un’analisi scientifica, lontana da ogni esperienza sensoriale.

barbara reale
mostra visitata il 15 maggio 2009

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Aggirarsi in un cimitero di carcasse metalliche. Riflessi rugginosi e cromie slavate. Superfici materiche che raccontano di uno stato d’abbandono. Fotografie d’imponente formato, che guidano la visione alla ricerca del dettaglio…

pubblicato giovedì 18 giugno 2009

Travolti da un insolito destino nell’afosa estate bolognese? Forse sì, visto che, visitando lo spazio che Astuni ha inaugurato nel capoluogo emiliano proprio in occasione di ArteFiera, sembra di esser trasportati altrove.
La nuova galleria, insediatasi in un vecchio stabile nei pressi della stazione, è completamente diversa dal restante panorama cittadino. Un ambiente che, correndo il rischio di apparire ovvi, potrebbe traquillamente trovarsi in quella Berlino che ultimamente tanto piace al sistema artistico nostrano. Siamo ben lungi dalla polemica; piuttosto, constatiamo con piacere l’esistenza di possibilità alternative alla vetrina in centro.
Detto questo, la grande sala espositiva ben si apparenta con i formati e i soggetti scelti da Thomas Florschuetz (Zwickau, 1957; vive a Berlino). Infatti, la sensazione, di primo acchito è quella di trovarsi in un piccolo hangar, completamente circondato da aeroplani militari abbandonati. Nella serie Jets, leggiamo, l’artista “esplora con la lente della sua macchina fotografica le qualità tattili e morfologiche della superficie di velivoli dimessi”. E ancora: “Come un miraggio nel deserto dell’Arizona, migliaia di aerei da uso civile e militare, satelliti e missili a testata appaiono allineati vicino a Tucson in file ordinate raccolte in immensi raggruppamenti, che formano uno dei più importanti epicentri dell’aviazione mondiale”.
Florschuetz elimina, attraverso inquadrature strette, la dimensione contestuale, focalizzando l’obiettivo sul dettaglio. La qualità granulare delle saldature arrugginite, i cretti della vernice arsa dal sole, gli aloni e i depositi anneriti negli intertizi delle lamiere sono i veri protagonisti delle immagini. Per taglio e scelta del soggetto, e per questa ricercata evidenza materica, la serie potrebbe avvicinarsi a quella che una volta veniva definita “fotografia informale”. L’ingrandimento e la selezione del particolare contribuiscono a far perdere lo sguardo d’insieme, tanto che di alcuni scatti si fatica a riconoscere il soggetto.
C’è un tentativo di environment nell’allestimento delle grandi fotografie finemente incorniciate; la disposizione dei pezzi tende verso quella che si potrebbe definire installazione fotografica. I riquadri costruiscono, sulle alte pareti dello spazio espositivo, finestre dalle quali è possibile intravedere l’esterno. Le macchine e i velivoli riposano là fuori, in un cupo silenzio.
L’occhio dell’artista si è posato su dettagli che svelano quanto il trascorrere del tempo possa incidere sui materiali della produzione industriale. L’indugiare sulla qualità tecnica del risultato, però, può far perdere di vista l’obiettivo.

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claudio musso
mostra visitata il 30 maggio 2009

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Eccoci al nostro secondo appuntamento con le recensioni di Clickblog. Come prima fotocamera abbiamo testato la Sony Alpha 350x, oggi invece è il turno della Sony Alpha 700 ammiraglia delle prosumer Sony.

In prova mi è stata data una Sony Alpha 700 in coppia con un fantastico obiettivo Zeiss Planar 85mm ƒ1,4 ZA. Più avanti parlerò delle prestazioni straordinarie di questa lente, ma non posso negare che per fare una prova a trecentosessanta gradi sarebbe stato meglio avere a disposizione una lente da kit, sicuramente di qualità inferiore, ma certamente più versatile sotto molti aspetti.

La fotocamera appare subito solida e ben costruita e in mano da una piacevole di sensazione di robustezza. Nonostante questo è piuttosto leggera e non affatica il collo e le spalle. Diventa un po’ pesantina e sbilanciata con i 700 grammi dell’85mm Zeiss, ma com’è intuibile una lente del genere non è da tutti i giorni.

Continua a leggere: Sony Alpha 700: la recensione di Clickblog

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Volgendo lo sguardo ad Oriente e alle enormi trasformazioni che stanno stravolgendo città, panorami e cultura, mi sembra interessante tornare a parlare del fotografo turco Ferit Kuyas, che recandosi a Chongqing per conoscere ed amare la famiglia di sua moglie, ha finito per realizzare un notevole progetto fotografico su questa grande città della regione sud-occidentale cinese del Sichuan.

Con City of Ambition, tra ottobre 2005 e gennaio 2008, Kuyas ha osservato e fotografato soprattutto i dintorni della città, dove questa appare all’orizzonte, tra gru e grandi siti in costruzione e si possono percepire le future arterie e i confini labili della metropoli, come emergessero dalla bruma della civiltà.

City of Ambition, grazie anche alla sensibilità di Kuyas debitrice della sua formazione d’architetto, ha il pregio di mettere in evidenza i confini che continuano a spostarsi, i luoghi che non cessano di cambiare e oramai caratterizzano tutta la Cina contemporanea, non solo questa città che è meno conosciuta di altre in occidente, anche se è stata Capitale della Cina durante la Seconda Guerra Mondiale ed è ormai popolata da circa 32 milioni di persone.

City of Ambition di Ferit Kuyas

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In occasione del FotoGrafia, Festival Internazionale di Roma 2009 e delle sue declinazioni della gioia, il Punto Touring Club di Roma di Viale Giulio Cesare 100, fino al 2 Agosto ospita il reportage Indian Stills di Carlo Bevilacqua, già presentato alla Biennale di Fotografia di Brescia dello scorso anno e premiato con l’HF Distribuzione al SI Fest 2008, in mostra anche al Boutographies Rencontres Photographiques de Montpellier, dal 6 al 21 Giugno 2009.

La mostra consente di ammirare da vicino questo reportage fuori dal tempo, ma dentro una tradizione che sfugge a condizionamenti temporali e stereotipi innescati dalla società del consumo. La gioia dei volti e delle atmosfere di Indian Stills sembra più vicina al nostro concetto di serenità. È la gioia di un paese povero di risorse ma ricco di tradizione, vita spirituale e forza interiore, la serenità che emerge da tratti, segni ed espressioni di chi sembra capace di fare tesoro di molto meno rispetto a quello che crediamo necessario.

I fotogrammi indiani realizzati su pellicola polaroid BN di Bevilacqua, mostrano un mondo fatto di silenzi preziosi e solennità quotidiane, di sguardi consapevoli e gesti necessari, un mondo che la dimensione fotografica del bianco e nero ha restituito a quella che sembra essere la sua reale ‘dimensione’, figlia della storia più che della cronaca, dell’essenza più che dell’apparenza.

Indian Still

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IL RIENTRO DAL TIBET
“Ogni volta che parto, metto in cantiere la possibilità di perdere tutto: bagaglio e salute. I rischi sono sempre molti. Ma il furto del mio portafoglio (con soldi, carta di credito e bancomat) a Lhasa mi ha colto alla sprovvista. Non tutto il male viene per nuocere : ho scoperto tutto il calore della generosità tibetana, e l’immediatezza della generosità degli italiani su Facebook (che seguivano il mio diario dal Tibet in diretta) . La mia guida tibetana mi ha restituito la mancia che gli avevo dato, i gestori tibetani dell’albergo mi hanno offerto vitto e alloggio gratis. Decine di persone su Facebook si sono mobilitate pronte a spedirmi soldi , bonifici, aiuti. Una bella esperienza, grazie ancora a tutti, dal profondo del mio cuore”
“Nel frattempo quando sono tornata in Nepal da Lhasa, era caduto il governo nepalese e mi sono trovata tra manifestazioni, scioperi, blocchi dei maoisti. In bocca al lupo ai nepalesi per risolvere i loro problemi davvero gravosi.”

L’AUTRICE
Raffaella Milandri, viaggiatrice in solitaria e fotografa di San Benedetto del Tronto, indaga tra popoli e culture con estrema curiosità , ritraendo momenti carichi di intenso significato emozionale. «Viaggiare in solitaria crea il necessario distacco dal mio quotidiano che mi permette un temporaneo ma completo abbandono al modo di vivere dei popoli che sto visitando: mi permette di essere immersa incontaminata nella loro cultura e respirarne l’essenza. Io mi assimilo alle genti che studio per catturarne l’immagine autentica, perchè mi vedano come una di loro – non come un forestiero – adatto sempre i miei abiti e i miei gesti alla cultura locale.» “La mia è street photography, pura fotografia di strada.
Nessuna posa, né situazione creata o artificiale: ritraggo le persone e le situazioni così come sono, magari appostandomi per ore fino a far parte del paesaggio locale. Quando viaggio ho talvolta dei colpi di fulmine : alcune persone che incontro mi diventano personaggi. E’ un innamoramento vero e proprio, il sorriso, lo sguardo, il modo di fare. Mi apposto e cerco di avvicinarmi con discrezione per poter fare una foto e sapere la loro storia. L’autrice collabora con la Fototeca Storica Nazionale Gilardi (MI) ed ha all’attivo fotoreportage in Giappone, Australia, India, Nepal, Usa, Canada, Egitto e in vari paesi europei. In preparazione un libro sui suoi viaggi.

Per comunicazioni e contatti 335 6126630
email info@europrinters.it

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"Imagine" di Raffaella Milandri, ci trasporta ai confini tra Nepal e Tibet, tra fratelli tibetani in esilio e soldati che pattugliano i confini. La quotidianità appare sconvolta ma non rassegnata, in una tensione carica di dignità, aspettando che il mondo reagisca in maniera determinante. La mostra farà parte  delle molteplici e interessanti manifestazioni del 1° Festival della Pace organizzato dal Comune di  San Benedetto, e sarà allestita all'interno dell'Hotel Calabresi, in Piazza della Rotonda (Piazza Giorgini) dal 29 maggio al 7 giugno 2009. Durante la mostra sarà allestita una asta di beneficenza, il ricavato della vendita delle foto sarà devoluto. IL VIAGGIO Rigorosamente in solitaria, senza alcuna prenotazione tranne l'aereo, questo viaggio di Raffaella Milandri la vedrà indagare nella realtà del Nepal e del Tibet, alla ricerca di immagini e di emozioni."Mi spoglio degli agi quotidiani, solo una valigia e niente cellulare. Il mio cammino sarà costruito giorno per giorno. Unico bagaglio sostanzioso: macchina fotografica, videocamera per mettere su Youtube alcuni filmati , e una webcam con la quale mi collegherò su Facebook per raccontare le mie giornate ." "Prima di partire ho prestato servizio con il Gruppo di Protezione Civile Comunale e con il FIR SER di Ascoli per aiutare la popolazione aquilana, auguro un buon lavoro a tutti  e invio un saluto speciale alle persone attendate al campo di Tempera(AQ) dove ho lasciato il cuore: forza e coraggio" L'AUTRICE Raffaella Milandri, viaggiatrice in solitaria e fotografa di San Benedetto del Tronto, indaga tra popoli e culture con estrema curiosità, ritraendo momenti carichi di intenso significato emozionale.  «Viaggiare in solitaria crea il necessario distacco dal mio quotidiano che mi permette un temporaneo ma completo “abbandono” al modo di vivere dei popoli che sto visitando: mi permette di essere immersa “incontaminata” nella loro cultura e respirarne l'essenza. Io mi assimilo alle genti che studio per catturarne l’immagine autentica, perché mi vedano come una di loro - non come un forestiero - adatto sempre i miei abiti e i miei gesti alla cultura locale.» L'autrice collabora con la Fototeca Storica Nazionale Gilardi (MI) ed ha all'attivo fotoreportage in Giappone, Australia, India, Nepal, Usa, Canada, Egitto e in vari paesi europei. In preparazione un libro sui suoi viaggi. Per contatti info@europrinters.it.  

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Calda e nostalgica, luminosissima e rarefatta, ’seventy’, come certi ricordi d’infanzia e delle vacanze estive, appare l’atmosfera di tutte le foto dell’album flickr del fotografo e filmaker Neil Krug. La stessa che pervade il suo film di recente uscita Invisible Pyramid. Comunque questa è la sua pagina personale su YouTube. Un’atmosfera da godere in queste giornate uggiose.

Neil Krug Gallery

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La manifestazione, organizzata dall’Assessorato alle Politiche Culturali e Spettacolo – Centro Nazionale di Fotografia del Comune di Padova, con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, e curata da Enrico Gusella e Alessandra De Lucia, comprende un percorso di tre esposizioni: una collettiva dal titolo “10 Fotografi d’oro” e due personali, di cui una dedicata a Douglas Kirkland e l’altra all’opera del fotografo Peter Feldstein e dello scrittore Stephen G. Bloom intitolata “The Oxford Project”.

La kermesse padovana si apre nel Museo Civico di Piazza del Santo venerdì 3 aprile con la mostra Douglas Kirkland. Portraits (inaugurazione ore 17,00). Curata da Elena Ceratti per l’agenzia Grazia Neri e Enrico Gusella, l’esposizione presenta una galleria di ritratti di singolare qualità ed efficacia che sottolineano la capacità dell’autore di scavare in profondità nell’identità del soggetto. Infatti, una sessantina di opere  a colori e in bianco e nero ripropongono lo straordinario percorso dell’artista costituito da rapporti, amicizie e complicità all’interno dei set cinematografici, dello show biz ma anche della realtà quotidiana con cui entra in contatto. Al celebre fotografo, che si tratti di una grande stella di Hollywood o di un passante per strada, non fa alcuna differenza, in quanto egli è teso a scandagliare volti e fisionomie dei soggetti per fissare un sentimento o un’emozione, cercando la componente umana o la spontaneità. “I ritratti di Douglas Kirkland vanno al di là dell’apparenza fisica dei suoi soggetti; egli cattura la vera essenza del loro essere con una disarmante onestà e sensualità.”
Kirkland ha iniziato la sua carriera tra gli anni ’60 e ’70, ha collaborato con importanti riviste americane, ma noti sono soprattutto i suoi ritratti di celebrità e star dello spettacolo, tra cui Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Sean Connery, Robert De Niro, e di uomini della scienza, come Stephen Hawking. “Complice” e singolare autore che ha vissuto accanto ai personaggi – attori, registi, produttori, direttori della fotografia – più importanti dell’industria cinematografica di Hollywood e Cinecittà, passati alla storia e diventati oramai leggende.

The Oxford Project è un lavoro ideato dal fotografo Peter Feldstein e dallo scrittore Stephen G. Bloom. La mostra, curata da Amy Worthen e Enrico Gusella, che si inaugura venerdì 3 aprile (ore 17,45) nella Galleria Sottopasso della Stua, presenta una ventina di opere tese a descrivere una sorta di racconto americano fatto di immagini. I primi scatti di questo progetto risalgono al 1984: sono ritratti di ogni singolo residente (676 gli abitanti della piccola comunità) della città di Oxford realizzati in uno studio improvvisato lungo la strada principale del paese. Nel 2004, a distanza di vent’anni, Feldstein fotografa nuovamente le stesse persone incontrate nel 1984: i bambini sono diventati adulti, magari padri o madri di famiglia, e gli adulti di allora sono oramai vecchi. Qualcosa però accomuna gli scatti recenti con quelli storici: non si tratta di elementi tangibili, quanto del senso di appartenenza che mette in relazione tutti. questi individui, ciò che li lega alla loro città e che fa di questo lavoro una sorta di descrizione dell’archetipo di comunità americana. The Oxford Project rivela un’analisi quasi antropologica sul concetto di identità.

Conclude il percorso della rassegna 10 Fotografi d’oro, curata da Enrico Gusella e Italo Zannier (inaugurazione alle ore 18,30) alla Galleria Civica Cavour e, a seguire (alle ore 19,15) al Museo Diocesano. Si tratta di un’originale collettiva con fotografie di Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, Giovanni Chiaramonte, Mario Cresci, Mario De Biasi, Franco Fontana, Paolo Gioli, Guido Guidi, Mimmo Jodice, Fulvio Roiter, Marco Zanta. Oltre un centinaio di opere che costituiscono la prima di una serie di mostre dedicate ai più grandi fotografi italiani, il cui obiettivo è una ricognizione organica sulla fotografia italiana contemporanea. I fotografi coinvolti indagano, ognuno a proprio modo, il concetto di identità. Così Gabriele Basilico presenta un lavoro intitolato Milano. Ritratti di fabbriche: una sequenza di immagini della periferia milanese, risultato di una lunga indagine fotografica compiuta tra il 1978 e il 1980. Gianni Berengo Gardin, da sempre attratto dalla semplicità dei luoghi e dei contesti di fusione culturale, propone alcuni significativi scatti relativi alla realtà delle comunità di nomadi e zingari che popolano le città italiane. I sei grandi lavori di Luca Campigotto sono dedicati ai notturni de Il Cairo: fotografie in bianco e nero che aprono la visione a minareti, piramidi e architetture egiziane. Le immagini di Giovanni Chiaramonte riguardano invece l’itinerario, attraverso il territorio lombardo, del fiume Olona, inteso come metafora della propria vita. Mario Cresci presenta i due tipi di ricerca che hanno segnato il suo percorso artistico: i lavori sulle avanguardie storiche e in particolare sul design, e l’indagine sugli aspetti etnografici e antropologici delle regioni del Mezzogiorno d’Italia. De Biasi presenterà una selezione di fotografie tratta dal reportage storico dedicato a Budapest del 1956. Le fotografie di Franco Fontana esprimono chiaramente la ricerca storica dell’artista sul colore, realizzata mediante un costante interesse per il paesaggio urbano, in particolar modo americano, e la composizione astratta. Mimmo Jodice presenta dieci scatti in bianco e nero che rivelano uno studio profondo e appassionato sulle impronte del passato, sul presente e sulle radici lontane della cultura mediterranea. Infine Marco Zanta con i suoi scatti percorre gli ambienti industriali, luoghi fatiscenti che diventano manifestazione nel silenzio dell’inoperosità.

Padova Aprile Fotografia 2009 si dimostra essere così una vetrina di singolare attualità del panorama fotografico contemporaneo, un quadro del tempo e delle complessità, tra cui, appunto, l’identità.

Forme dell’Identità
5ª edizione
4 aprile – 20 giugno 2009

Inaugurazione venerdì 3 aprile, dalle ore 17,00

Fonte Google News

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Tutto muta sotto i nostri occhi, anche quando non ci accorgiamo del cambiamento. Nel paesaggio apparentemente immobile del deserto niente rimane lo stesso e dopo una relazione a lungo termine con questo luogo quasi mistico, Michael Nils Lundgren gli ha reso omaggio con una serie di scatti dove il bianco e nero e la gelatina d’argento, riescono a donare tonalità intense al crepuscolo, al buio che consente di vedere l’impossibile.

Transfigurations, sintetizzato in un libro fotografico edito a dicembre da Radius Books, è una gallery di questo paesaggio, che non ha bisogno di allucinazioni per fare le sue piccole magie quotidiane. Per gli appassionati senza grossi problemi economici, è disponibile anche un’edizione limitata corredata di una stampa con gelatina d’argento di una qualsiasi delle immagini del libro, a scelta.

Via | Exposurecompensation.com

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Le funzioni
La K20D ha le modalità di esposizione classiche (automatica, programmata, manuale, priorità di tempi o diaframmi) accompagnate da due più originali: la priorità di tempi e diaframmi (si seleziona una coppia tempo/diaframma e la sensibilità del sensore varia di conseguenza) e la priorità di sensibilità (si impostano gli ISO equivalenti). La modalità programmata è personalizzabile scegliendo una tra le quatto linee di programma disponibili: normale, che privilegia i tempi rapidi, che privilegia la profondità di campo, che punta sulla resa dell’obiettivo (sceglie l’apertura ideale per la lente montata, se riconosciuta).
Ciò che colpisce davvero della K20D è la ricchezza delle funzioni a bordo: praticamente tutto è personalizzabile prima dello scatto, e in particolare la sezione del bilanciamento del bianco permette di sbizzarirsi modificando ampiamente le configurazioni predefinite o impostando manualmente il bilanciamento ideale. Lo stesso vale per i sei profili di esposizione predefiniti, di cui possiamo cambiare saturazione, tonalità, contrasto e nitidezza.
Dopo lo scatto, la K20D offre a bordo molte possibilità di elaborazione grafica creativa (conversione in bianconero o seppia, simulazione di sei filtri colorati, estrazione di un colore, filtro soft, conversione della foto in un disegno al tratto, HDR simulata, variazione della luminosità, allargamento o restringimento dell’immagine) e anche la conversione da Raw a Jpeg.
Troppo “giocoso”? Può darsi, ma crediamo che a molti fotoamatori queste funzioni facciano comodo, mentre gli altri potranno tranquillamente ignorarle.
Tra le funzioni inseriamo anche lo stabilizzatore d’immagine collegato al sensore. La diatriba tra chi preferisce questa soluzione e chi invece lo stabilizzatore ottico nell’obiettivo è irrisolvibile (ogni approccio ha i suoi pro e i suoi contro), qui ci limitiamo a dire che nel caso della K20D il sistema effettivamente garantisce i 2,5-3 stop promessi rispetto al tempo di scatto teorico (l’inverso della lunghezza focale dell’obiettivo), a parità di diaframma.
Non manca, come vogliono la moda e il marketing, il Live View. L’implementazione è buona ma non delle più utili: il display LCD posteriore non è orientabile e la messa a fuoco in Live View avviene riabbassando lo specchio per un istante.

Come va
Nelle nostre prove la K20D si è ben comportata. La valutazione esposimetrica in modalità multisegmento – le altre possibili sono media pesata al centro e spot – tende un po’ a sottoesporre, ma questo nel digitale è un approccio corretto: i dettagli in ombra si recuperano in postproduzione molto più facilmente di quelli nelle alteluci. Non è una macchina da foto sportive: l’autofocus a 11 punti è buono ma non velocissimo, la cadenza di scatto di tre fotogrammi al secondo è insufficiente.
Il sensore, sviluppato con Samsung, produce immagini Jpeg fortunatamente non troppo morbide, anche se per trarre il massimo dalla K20D ci sembra decisamente indicato scattare in formato Raw. Questo anche per controbilanciare il vero difetto del sensore, che è la generazione alle alte sensibilità di rumore piuttosto visibile: fino a 800 ISO equivalenti non ci sono problemi, consideriamo utilizzabili anche le foto scattate ai 1.600 ISO, ma i 3.200 e i 6.400 sono davvero impostazioni di emergenza. Apprezziamo comuque il fatto che Pentax abbia impostato per default come inattiva la riduzione del rumore per gli alti ISO e dia a noi il compito di scegliere se attivarla o meno, su tre livelli di intensità. In questo modo chi sa lavorare in postproduzione può usare gli scatti grezzi, gli altri accetteranno immagini meno rumorose ma anche meno dettagliate.
Il bilanciamento del bianco automatico porta, in luce artificiale, una dominante fastidiosa che va corretta in postproduzione o effettuando una calibrazione manuale durante gli scatti. E’ giusto dire che questo accade con quasi tutte le reflex digitali, salvo rare eccezioni.
Sintetizzando, la Pentax K20D è una reflex solida e affidabile, che piacerà certamente ai fotografi generalisti che amano sperimentare con la propria fotocamera e sfruttarne le possibilità di configurazione. Crediamo che solo “smanettando” un po’ tra i vari menu si riesca a trarre il massimo dalla K20D, la quale resta invece un po’ anonima se usata in modo punta-e-scatta automatico. Gioca a favore della K20D anche la possibilità di montare, con qualche limite negli automatismi, quasi tutti gli obiettivi con innesto a baionetta K e derivati (KA e KAF). I vecchi utenti Pentax apprezzeranno il fatto di poter tutelare il proprio parco ottiche.
Non consigliamo invece la K20D a chi faccia foto sportiva o a chi usi spesso alte sensibilità ISO, dato il sensore un po’ rumoroso rispetto alla media delle reflex con ambizioni semiprofessionali.

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