Approfondimenti tecnici
Arriva un momento, nel percorso di un fotografo, in cui le conoscenze di base non sono più sufficienti.
All’inizio impariamo a gestire il diaframma, il tempo di scatto e gli ISO. Impariamo a mettere a fuoco, a leggere l’esposizione, a scegliere una focale, a comporre un’immagine. Sono le fondamenta, quelle che ci permettono di iniziare a fotografare con una certa consapevolezza.
Poi, però, cominciamo a porci domande diverse.
Perché due fotografie realizzate con la stessa esposizione possono apparire così diverse?
Perché un obiettivo sembra straordinario in una situazione e molto meno convincente in un’altra?
Perché aumentando gli ISO la qualità peggiora in maniera differente a seconda delle condizioni?
Perché una fotografia apparentemente perfetta sul monitor può mostrare problemi quando viene stampata?
Perché il diaframma non influenza soltanto la profondità di campo?
Perché la distanza dal soggetto modifica la prospettiva percepita?
Perché una fotografia scattata con un tempo molto rapido può comunque risultare poco nitida?
Sono domande che appartengono a un livello più avanzato della fotografia.
Ed è proprio qui che entrano in gioco gli approfondimenti tecnici.
Non si tratta di accumulare nozioni per poter parlare di fotografia in modo più complicato.
Al contrario.
L’obiettivo della conoscenza tecnica è arrivare a un punto in cui possiamo prevedere ciò che accadrà prima ancora di premere il pulsante di scatto.
La tecnica, quando viene realmente assimilata, smette di essere qualcosa a cui pensiamo continuamente.
Diventa una forma di intuizione.
Andare oltre le impostazioni fondamentali
Conoscere il triangolo dell’esposizione è indispensabile.
Ma sapere che aumentando gli ISO aumenta la sensibilità e che aprendo il diaframma diminuisce la profondità di campo è soltanto l’inizio.
Il fotografo più consapevole comincia a chiedersi che cosa succede realmente all’immagine quando modifica una determinata variabile.
Se cambio il diaframma, non sto semplicemente rendendo l’immagine più chiara o più scura.
Sto modificando la profondità di campo.
Sto cambiando il comportamento ottico dell’obiettivo.
Posso modificare la nitidezza percepita.
Posso influenzare la forma delle aree fuori fuoco.
Posso cambiare la resa delle sorgenti luminose.
Se modifico il tempo di scatto, non sto semplicemente regolando la quantità di luce.
Sto decidendo come rappresentare il movimento.
Se modifico gli ISO, non sto soltanto “schiarendo” la fotografia.
Sto modificando il rapporto tra segnale e rumore e, di conseguenza, la qualità dei dati che arriveranno alla post-produzione.
La tecnica diventa interessante proprio quando iniziamo a comprendere le conseguenze delle nostre decisioni.
La fotografia è un sistema di relazioni
Una delle cose più importanti da comprendere è che le impostazioni della fotocamera non lavorano separatamente.
Sono collegate.
Cambiare una variabile spesso significa doverne compensare un’altra.
Ma non tutte le compensazioni producono lo stesso risultato.
Supponiamo di voler fotografare una persona in movimento.
Possiamo aumentare il tempo di scatto per congelare l’azione.
Ma se la luce non è sufficiente, dovremo compensare con diaframma o ISO.
Possiamo aprire il diaframma.
Ma questo potrebbe ridurre la profondità di campo.
Possiamo aumentare gli ISO.
Ma potremmo introdurre più rumore.
La fotografia diventa quindi un continuo esercizio di equilibrio.
Non dobbiamo semplicemente trovare un’esposizione corretta.
Dobbiamo trovare l’esposizione più adatta a ciò che vogliamo raccontare.
Il diaframma non è soltanto esposizione
Quando iniziamo a fotografare, il diaframma viene spesso presentato come uno dei tre elementi del triangolo dell’esposizione.
È corretto.
Ma fermarsi qui significa perdere gran parte della sua importanza.
Il diaframma influenza la profondità di campo, la resa dello sfocato, la quantità di luce che raggiunge il sensore e, in determinate condizioni, anche la nitidezza complessiva dell’immagine.
Un obiettivo non offre necessariamente la stessa resa a tutte le aperture.
Molti obiettivi raggiungono il loro comportamento ottico più equilibrato chiudendo leggermente il diaframma rispetto all’apertura massima.
Questo non significa che dobbiamo evitare le aperture estreme.
Significa semplicemente che dobbiamo sapere perché le stiamo utilizzando.
Se fotografiamo un ritratto a tutta apertura, possiamo voler ottenere proprio quella profondità di campo ridotta.
Se fotografiamo un paesaggio, potremmo invece scegliere un’apertura che permetta di mantenere nitidi diversi piani della scena.
La scelta nasce dall’immagine.
Non dal numero scritto sulla ghiera.
La diffrazione
Quando chiudiamo molto il diaframma, la profondità di campo aumenta.
Ma arriva un momento in cui entra in gioco un altro fenomeno ottico: la diffrazione.
In termini semplici, la luce passando attraverso un’apertura molto piccola tende a diffondersi, riducendo progressivamente la capacità del sistema di restituire dettaglio fine.
Non significa che utilizzare f/16 o f/22 produca automaticamente una fotografia inutilizzabile.
Significa che dobbiamo essere consapevoli del compromesso.
Se abbiamo bisogno di grande profondità di campo, può essere perfettamente sensato chiudere molto il diaframma.
Ma se la situazione lo permette, possiamo anche valutare altre strategie.
Una di queste è il focus stacking, nel quale realizziamo più fotografie con punti di messa a fuoco differenti e le combiniamo successivamente.
È un esempio perfetto di come la conoscenza tecnica possa aprire nuove possibilità creative.
La profondità di campo non dipende soltanto dal diaframma
Questo è un altro concetto che vale la pena approfondire.
La profondità di campo dipende dal diaframma, ma anche dalla distanza dal soggetto, dalla focale e dal formato del sensore.
Avvicinandoci molto a un soggetto, la profondità di campo può diventare estremamente ridotta.
Allontanandoci, può aumentare.
Questo è particolarmente evidente nella fotografia macro.
Per questo non dobbiamo pensare alla profondità di campo come a un semplice numero associato al diaframma.
È il risultato di un insieme di variabili.
La distanza modifica la fotografia
Uno dei concetti tecnici più interessanti è quello della relazione tra distanza e prospettiva.
Cambiare obiettivo non significa semplicemente “avvicinare” o “allontanare” il soggetto.
Se cambiamo posizione per mantenere il soggetto delle stesse dimensioni nell’inquadratura, cambiamo il rapporto prospettico tra gli elementi della scena.
Avvicinandoci, gli elementi vicini possono apparire molto più grandi rispetto a quelli lontani.
Allontanandoci, questa differenza apparente si riduce.
È uno dei motivi per cui un grandangolare utilizzato molto vicino al soggetto può produrre una resa completamente diversa rispetto a un teleobiettivo utilizzato da una distanza maggiore.
La focale conta.
Ma la posizione del fotografo conta moltissimo.
Compressione prospettica
Spesso si parla di “compressione” del teleobiettivo.
In realtà il teleobiettivo non comprime fisicamente lo spazio.
La sensazione di compressione nasce principalmente dal fatto che, utilizzando una focale lunga, siamo portati ad allontanarci dal soggetto per mantenere una determinata inquadratura.
La maggiore distanza riduce la differenza apparente tra gli elementi vicini e lontani.
È un esempio interessante di come la terminologia fotografica possa semplificare fenomeni più complessi.
Conoscere il fenomeno reale ci permette di utilizzare il linguaggio tecnico in modo più consapevole.
Il tempo di scatto e il movimento
Il tempo di scatto è uno degli strumenti creativi più potenti.
Un tempo molto rapido può congelare un gesto.
Un tempo più lento può trasformare il movimento in una scia.
Ma la velocità necessaria dipende dal soggetto.
Un’auto che attraversa l’inquadratura rapidamente richiede una strategia diversa da una persona che cammina.
E una persona che cammina verso di noi si comporta diversamente da una persona che attraversa lateralmente la scena.
Anche la focale influisce sulla percezione del movimento.
E naturalmente conta il movimento del fotografo.
La tecnica diventa quindi una questione di previsione.
Quanto si muove il soggetto? Quanto mi muovo io? Quanto voglio che quel movimento sia visibile?
Il tempo di sicurezza
Quando fotografiamo a mano libera dobbiamo anche considerare il movimento del fotografo.
Esistono regole tradizionali che associano la velocità minima di scatto alla lunghezza focale, ma non devono essere considerate leggi assolute.
La stabilizzazione ottica o sul sensore può permettere tempi più lunghi.
La tecnica di impugnatura può fare la differenza.
La risoluzione elevata può rendere più evidente anche un piccolo movimento.
La distanza dal soggetto e il modo in cui guardiamo l’immagine influenzano la percezione della nitidezza.
La regola quindi può essere un punto di partenza.
L’esperienza sul campo è ciò che ci permette di capire i nostri limiti reali.
Stabilizzazione e movimento del soggetto
È importante non confondere due problemi diversi.
La stabilizzazione serve principalmente a compensare il movimento della fotocamera.
Non può congelare una persona che si muove rapidamente.
Se fotografiamo una persona ferma a mano libera, una buona stabilizzazione può permetterci di utilizzare un tempo relativamente lento.
Se la persona sta correndo, dobbiamo invece scegliere un tempo adeguato al suo movimento.
È una distinzione semplice, ma fondamentale.
ISO e rapporto segnale/rumore
Gli ISO vengono spesso descritti come una sorta di “sensibilità” del sensore.
Dal punto di vista operativo è una semplificazione utile.
Ma tecnicamente il comportamento è più complesso.
Aumentando gli ISO, il segnale viene amplificato e il rumore diventa più evidente.
Il risultato dipende dalla fotocamera, dalla tecnologia del sensore, dall’esposizione e dalle condizioni di scatto.
Un’immagine correttamente esposta a ISO elevati può risultare più pulita di una fotografia fortemente sottoesposta e successivamente schiarita in post-produzione.
Questo ci porta a una considerazione importante:
non dobbiamo avere paura degli ISO.
Dobbiamo imparare a utilizzarli.
ISO bassi non significa sempre fotografia migliore
In condizioni di luce sufficiente, utilizzare sensibilità basse può permettere di ottenere file molto puliti.
Ma se per mantenere ISO 100 dobbiamo utilizzare un tempo di scatto troppo lento e ottenere una fotografia mossa, abbiamo fatto una scelta tecnicamente sbagliata.
È preferibile avere una fotografia nitida a ISO 1600 piuttosto che una fotografia mossa a ISO 100.
La qualità tecnica deve sempre essere messa in relazione al risultato che vogliamo ottenere.
La luce è parte dell’esposizione
Quando studiamo l’esposizione, possiamo concentrarci molto sulla fotocamera.
Ma la luce viene prima.
Una scena molto contrastata può mettere in difficoltà qualsiasi sistema.
Una scena uniformemente illuminata è molto più semplice da gestire.
Per questo un approfondimento tecnico sull’esposizione deve portarci anche a osservare la luce.
Direzione.
Intensità.
Qualità.
Colore.
Contrasto.
Dimensione apparente della sorgente.
Una buona lettura della luce può ridurre enormemente la necessità di “correggere” la fotografia attraverso le impostazioni.
Gamma dinamica
La gamma dinamica rappresenta, semplificando, la capacità di un sistema di registrare contemporaneamente informazioni nelle zone molto luminose e in quelle molto scure.
Immaginiamo un paesaggio con un cielo molto luminoso e un primo piano in ombra.
Il sensore deve cercare di registrare entrambe le situazioni.
Se il contrasto supera la capacità del sistema, alcune zone possono perdere dettaglio.
Possiamo intervenire sulla tecnica.
Cambiare l’esposizione.
Utilizzare un filtro graduato.
Realizzare più esposizioni.
Sfruttare tecniche HDR.
Oppure scegliere una luce differente.
La gamma dinamica non è quindi soltanto una caratteristica del sensore.
È anche una questione di come affrontiamo la scena.
Esporre a destra
Il concetto di ETTR, ovvero “Expose To The Right”, nasce dall’osservazione dell’istogramma digitale.
L’idea generale è cercare, quando possibile e senza bruciare le alte luci importanti, di sfruttare la parte destra dell’istogramma per ottenere una buona quantità di informazione nelle ombre.
Non è una tecnica da applicare meccanicamente a ogni fotografia.
In una scena con elementi luminosi importanti, possiamo rischiare di perdere dettagli nelle alte luci.
Il vero insegnamento è comprendere dove si trova l’informazione nel file e come l’esposizione influenza la possibilità di recuperarla.
Istogramma: leggere invece di indovinare
L’istogramma è uno degli strumenti tecnici più utili.
Non rappresenta una fotografia.
Rappresenta la distribuzione dei livelli di luminosità dell’immagine.
A sinistra troviamo le zone più scure.
A destra quelle più luminose.
La sua lettura può aiutarci a capire se stiamo comprimendo eccessivamente le informazioni in una determinata zona.
Ma anche qui dobbiamo evitare interpretazioni rigide.
Un istogramma “spostato a sinistra” non significa automaticamente fotografia sbagliata.
Una scena notturna può avere naturalmente molte informazioni nelle ombre.
Una fotografia sulla neve può avere un istogramma spostato verso destra.
L’istogramma va interpretato in relazione alla scena.
Alte luci recuperabili e alte luci perdute
Nel RAW abbiamo generalmente una certa possibilità di recuperare informazioni nelle alte luci.
Ma non è infinita.
Quando un canale è completamente saturato, non possiamo ricostruire informazioni che non sono state registrate.
Per questo è importante imparare a distinguere tra:
una zona molto luminosa;
una zona quasi al limite;
una zona completamente bruciata.
Lavorare con l’istogramma e con gli avvisi delle alte luci può aiutarci a sviluppare questa sensibilità.
Il colore e i canali RGB
Anche l’esposizione non riguarda soltanto una luminosità generale.
Una dominante molto intensa può portare un singolo canale RGB alla saturazione prima degli altri.
Questo è particolarmente importante in fotografie con colori molto intensi.
Un rosso estremamente saturo, per esempio, può perdere dettaglio nel canale rosso anche se l’immagine nel complesso non sembra sovraesposta.
È un ulteriore motivo per cui la gestione del colore e quella dell’esposizione non sono realmente separate.
Sono parte dello stesso sistema.
Nitidezza: che cosa significa davvero?
Parliamo spesso di fotografie “nitide”.
Ma la nitidezza percepita è il risultato di diversi fattori.
Messa a fuoco.
Movimento.
Qualità ottica.
Contrasto locale.
Risoluzione.
Post-produzione.
Output finale.
Una fotografia perfettamente a fuoco può sembrare poco nitida se è stata ridimensionata male.
Un’immagine con un leggero errore di fuoco non può essere completamente recuperata aumentando la nitidezza.
Una fotografia con molto contrasto locale può apparire più incisa anche senza contenere realmente più dettaglio.
È quindi importante distinguere tra dettaglio reale e nitidezza percepita.
Messa a fuoco e profondità di campo
Quando fotografiamo a profondità di campo molto ridotta, la precisione della messa a fuoco diventa fondamentale.
Nel ritratto, per esempio, possiamo avere un occhio perfettamente nitido mentre l’altro è già fuori fuoco.
Non è necessariamente un errore.
Può essere una scelta.
Ma dobbiamo sapere che cosa stiamo facendo.
La profondità di campo estremamente ridotta aumenta anche l’importanza della distanza dal soggetto e della stabilità del fotografo.
Piccoli spostamenti possono modificare il piano di fuoco in maniera evidente.
Il problema del back focus e front focus
Con alcune combinazioni di fotocamera e obiettivo, soprattutto nei sistemi meno moderni, possono verificarsi problemi di calibrazione dell’autofocus.
Il fuoco può cadere leggermente davanti o dietro al punto desiderato.
Nei sistemi moderni questo problema è stato ridotto in molte configurazioni, ma il principio rimane interessante.
Una fotografia sfocata non significa necessariamente che l’obiettivo sia scarso.
Dobbiamo capire dove si trova realmente il piano di messa a fuoco.
Anche per questo motivo i test devono essere condotti in condizioni controllate quando vogliamo valutare un’attrezzatura.
Aberrazioni ottiche
Gli obiettivi moderni sono progettati per correggere moltissimi fenomeni ottici.
Ma alcune aberrazioni possono comunque essere presenti.
Aberrazione cromatica.
Aberrazione sferica.
Coma.
Astigmatismo.
Distorsione.
Vignettatura.
Non dobbiamo necessariamente memorizzare ogni fenomeno nei dettagli.
È però utile sapere che un obiettivo non produce una rappresentazione perfettamente neutra della realtà.
La sua progettazione influenza il risultato.
Distorsione
La distorsione modifica la forma apparente delle linee.
È particolarmente evidente nella fotografia di architettura.
Una lente grandangolare può produrre distorsioni più marcate, soprattutto verso i bordi.
Molte fotocamere e molti software applicano correzioni automatiche.
Ma è utile sapere che cosa sta succedendo.
Quando fotografiamo un edificio, per esempio, dobbiamo distinguere tra distorsione dell’obiettivo e convergenza delle linee dovuta al punto di vista.
Sono due fenomeni diversi.
Linee cadenti e prospettiva
Quando incliniamo la fotocamera verso l’alto per fotografare un edificio, le linee verticali possono convergere.
Non è necessariamente un difetto dell’obiettivo.
È una conseguenza della prospettiva.
Possiamo correggere questo fenomeno in post-produzione.
Oppure possiamo utilizzare obiettivi decentrabili.
Ancora una volta, la conoscenza tecnica ci permette di scegliere.
Possiamo lasciare la convergenza perché ci piace.
Possiamo correggerla.
Possiamo evitarla in fase di ripresa.
La tecnica non stabilisce cosa è giusto.
Ci permette di controllare il risultato.
Il ruolo dei filtri
I filtri ottici possono avere ancora un ruolo importante.
Il polarizzatore può aiutare a controllare riflessi e polarizzazione della luce.
I filtri ND permettono di utilizzare tempi più lunghi anche in condizioni luminose.
I filtri graduati possono aiutare a gestire determinate differenze di luminosità.
Ma anche qui la tecnologia digitale non ha eliminato completamente la necessità di comprendere la luce.
Un filtro non è una soluzione magica.
È uno strumento.
E come ogni strumento deve essere utilizzato quando serve.
RAW e JPEG: comprendere la differenza
Il JPEG prodotto dalla fotocamera contiene già una serie di interpretazioni.
Contrasto.
Nitidezza.
Colore.
Riduzione del rumore.
Bilanciamento del bianco.
Il RAW conserva invece una quantità maggiore di informazioni grezze da elaborare.
Questo non significa che il RAW sia automaticamente “migliore” per qualsiasi utilizzo.
Il JPEG può essere estremamente utile quando abbiamo bisogno di rapidità e immediatezza.
La scelta dipende dal workflow.
La conoscenza tecnica ci permette di capire quanta libertà vogliamo avere dopo lo scatto.
Bit depth e profondità del colore
Un altro concetto tecnico riguarda la quantità di informazioni utilizzate per rappresentare i valori tonali.
In fotografia digitale incontriamo frequentemente file a 8, 16 o più bit per canale a seconda del formato e del workflow.
Una maggiore profondità può permettere di conservare una quantità maggiore di informazioni tonali durante determinate fasi di elaborazione.
Questo diventa particolarmente interessante durante lavorazioni pesanti, correzioni importanti e compositing.
Ma anche qui non dobbiamo trasformare il numero di bit in una gara.
La domanda corretta è:
“Di quanta informazione ho bisogno per questo tipo di lavoro?”
Compressione e qualità
Anche la compressione merita attenzione.
Un file JPEG utilizza una compressione che permette di ridurre notevolmente le dimensioni.
Questo è molto utile per il web.
Ma una compressione eccessiva può produrre artefatti.
Blocchi.
Perdita di dettaglio.
Bordi poco naturali.
Banding.
Anche il salvataggio ripetuto di un JPEG può degradare progressivamente l’immagine.
Per questo è buona pratica conservare sempre un originale di qualità e utilizzare i file compressi come derivati destinati a specifiche finalità.
Ridimensionamento
Quando riduciamo le dimensioni di una fotografia, stiamo modificando la quantità di pixel che la compongono.
Il modo in cui effettuiamo il ridimensionamento può influenzare la percezione del dettaglio.
Una fotografia ridotta per il web potrebbe richiedere una leggera nitidezza di output.
Una fotografia destinata alla stampa richiederà considerazioni differenti.
Non esiste quindi una sola impostazione di ridimensionamento valida per tutto.
Anche qui il principio è semplice:
la destinazione determina il workflow.
Il banding
Quando una fotografia presenta transizioni molto graduali, come un cielo uniforme o una parete sfumata, possiamo osservare a volte delle bande visibili invece di una transizione continua.
Questo fenomeno viene chiamato banding.
Può dipendere dalla profondità del file, dalla compressione, dal software, dall’esportazione o da una post-produzione molto aggressiva.
È uno degli esempi migliori per comprendere perché la qualità tecnica del file diventi importante soprattutto quando iniziamo a spingere molto l’elaborazione.
Post-produzione: quanto possiamo spingerci?
Il RAW ci offre grande libertà.
Ma libertà non significa assenza di limiti.
Possiamo recuperare ombre.
Possiamo ridurre alte luci.
Possiamo modificare il colore.
Possiamo aumentare il contrasto.
Possiamo trasformare completamente l’atmosfera.
Ma ogni intervento molto intenso può avere conseguenze.
Rumore.
Aloni.
Posterizzazione.
Perdita di dettaglio.
Colori innaturali.
Artefatti.
Una buona post-produzione non è quella che utilizza più strumenti.
È quella che utilizza solo gli strumenti necessari per arrivare al risultato desiderato.
Il rapporto tra tecnica e creatività
A questo punto potremmo chiederci perché studiare tutti questi aspetti.
Perché conoscere la diffrazione?
Perché capire la gamma dinamica?
Perché conoscere il comportamento degli obiettivi?
Perché studiare il colore?
Perché analizzare il rumore?
Perché approfondire l’autofocus?
Perché tutto questo ci permette di togliere un ostacolo tra noi e ciò che vogliamo fotografare.
La tecnica non dovrebbe attirare l’attenzione su se stessa.
Dovrebbe liberare la creatività.
Quando conosciamo i limiti del nostro sistema, possiamo lavorare dentro quei limiti o superarli attraverso una scelta diversa.
La tecnica serve soprattutto a prevedere
Questa è probabilmente la definizione più utile.
Un fotografo tecnicamente preparato non è quello che conosce più termini.
È quello che riesce a prevedere meglio il risultato.
Guarda una scena e sa che il contrasto sarà difficile.
Vede un soggetto in movimento e sa quale tempo potrebbe essere necessario.
Guarda uno sfondo e comprende come cambierà con una determinata focale.
Vede una luce particolare e immagina come verrà registrata.
Guarda una situazione complessa e sa già quali compromessi dovrà affrontare.
La tecnica diventa così una forma di pre-visualizzazione.
Imparare a fare test
Gli approfondimenti tecnici diventano davvero utili quando li trasformiamo in esperimenti.
Vogliamo capire la profondità di campo?
Fotografiamo lo stesso soggetto a diverse aperture.
Vogliamo capire la diffrazione?
Realizziamo una serie a diverse aperture mantenendo condizioni controllate.
Vogliamo comprendere il comportamento degli ISO?
Fotografiamo la stessa scena a sensibilità differenti.
Vogliamo confrontare due obiettivi?
Utilizziamoli nella stessa situazione.
Vogliamo capire la stabilizzazione?
Realizziamo una serie di scatti a tempi progressivamente più lenti.
La teoria ci dà la domanda.
Il test ci dà la risposta.
Costruire una piccola biblioteca personale di test
Possiamo conservare alcuni di questi esperimenti.
Non dobbiamo riempire il disco di fotografie inutili.
Possiamo creare una piccola raccolta di riferimento.
Una serie sugli ISO.
Una sulle aperture.
Una sulla profondità di campo.
Una sulle focali.
Una sui tempi di scatto.
Una sulla stabilizzazione.
Una sul comportamento degli obiettivi.
Con il tempo costruiremo qualcosa di molto utile:
la conoscenza del nostro sistema fotografico.
Non quella dichiarata dal produttore.
Quella che abbiamo verificato personalmente.
La fotocamera che possediamo è il nostro laboratorio
Non dobbiamo necessariamente avere l’ultima tecnologia.
La macchina che abbiamo già può diventare un eccellente strumento di studio.
Possiamo conoscere il comportamento del sensore.
Capire come reagisce agli ISO.
Studiare la gamma dinamica.
Provare diverse modalità autofocus.
Analizzare il comportamento degli obiettivi.
Sperimentare con tempi e diaframmi.
Più conosciamo il nostro sistema, meno abbiamo bisogno di cercare continuamente qualcosa di nuovo.
Il rischio dell’iper-tecnicismo
C’è però un pericolo.
Studiare troppo la tecnica può diventare un modo per evitare di fotografare.
Possiamo passare settimane a confrontare sensori.
Leggere test sugli obiettivi.
Studiare grafici MTF.
Analizzare la gamma dinamica.
Discutere di profili colore.
E poi non uscire mai con la macchina fotografica.
La tecnica deve rimanere uno strumento.
A un certo punto bisogna chiudere il computer.
Prendere la fotocamera.
E andare a fotografare.
Conoscere i numeri, ma guardare le immagini
I dati tecnici sono importanti.
Ma alla fine fotografiamo immagini.
Per questo, quando studiamo una caratteristica tecnica, dobbiamo cercare di collegarla sempre a un risultato visibile.
Che cosa significa una differenza di gamma dinamica in una fotografia reale?
Che cosa significa avere un obiettivo più luminoso?
Che cosa cambia davvero passando da ISO 800 a ISO 3200?
Quanto è visibile la differenza di risoluzione?
Quanto incide il peso sulla nostra esperienza?
La fotografia nasce dall’incontro tra numeri e percezione.
La prova finale è sempre l’immagine
Possiamo conoscere perfettamente il funzionamento di una macchina fotografica.
Ma alla fine dobbiamo guardare le fotografie.
Sono efficaci?
Raccontano?
Sono tecnicamente adeguate?
Trasmettono quello che volevamo?
La tecnica ha aiutato oppure ci ha distratto?
Queste sono le domande che contano.
Perché possiamo avere ragione dal punto di vista tecnico e ottenere comunque una fotografia che non comunica nulla.
E possiamo, al contrario, avere una fotografia tecnicamente imperfetta ma straordinariamente efficace.
La tecnica non deve diventare una gabbia.
Un esercizio completo
Proviamo a fare un piccolo laboratorio personale.
Scegliamo un soggetto statico.
Può essere una bottiglia, una pianta, un edificio o un paesaggio.
Realizziamo una prima fotografia con le impostazioni che utilizzeremmo normalmente.
Poi iniziamo a modificare una sola variabile alla volta.
Cambiamo apertura.
Poi tempo.
Poi ISO.
Poi focale.
Poi distanza.
Poi punto di messa a fuoco.
Osserviamo ogni volta cosa cambia.
Non dobbiamo cercare la fotografia migliore.
Dobbiamo capire la relazione tra la decisione tecnica e il risultato visivo.
È uno degli esercizi più efficaci per trasformare la teoria in comprensione.
Un secondo esercizio: prevedere prima di scattare
Possiamo fare un esercizio ancora più avanzato.
Prima di modificare un’impostazione, scriviamo mentalmente cosa pensiamo che accadrà.
“Se apro il diaframma, lo sfondo diventerà più sfocato.”
“Se aumento il tempo, il movimento apparirà maggiormente.”
“Se aumento gli ISO, il rumore aumenterà.”
“Se mi avvicino, il soggetto cambierà rapporto con lo sfondo.”
Poi scattiamo.
Confrontiamo la previsione con il risultato.
Quando le due cose iniziano a coincidere con sempre maggiore frequenza, significa che la nostra comprensione tecnica sta diventando realmente solida.
Dalla conoscenza all’intuizione
Questo è il punto verso cui dovrebbe portarci lo studio.
All’inizio pensiamo.
Poi ragioniamo più velocemente.
Infine iniziamo a intuire.
Vediamo una situazione e sappiamo quasi immediatamente cosa fare.
Non perché abbiamo smesso di ragionare.
Ma perché abbiamo accumulato abbastanza esperienza da rendere il ragionamento più rapido.
È lo stesso processo che abbiamo già incontrato parlando del test sul campo.
Studio → prova → errore → analisi → ripetizione → esperienza → intuizione.
È un ciclo che non termina mai.
Approfondire senza smettere di fotografare
La crescita tecnica non dovrebbe essere un capitolo chiuso del nostro percorso.
La tecnologia cambia.
I nostri interessi cambiano.
Affrontiamo generi diversi.
Utilizziamo nuove tecniche.
Incontriamo situazioni che non abbiamo mai fotografato.
Ogni nuova esperienza può generare una nuova domanda.
E ogni nuova domanda può diventare un nuovo approfondimento.
Questa è una delle caratteristiche più belle della fotografia.
Non esiste un momento nel quale possiamo dire:
“Ora so tutto.”
Possiamo diventare molto competenti.
Possiamo acquisire grande esperienza.
Possiamo padroneggiare il nostro sistema.
Ma ci sarà sempre qualcosa da capire meglio.
La tecnica al servizio della visione
Alla fine, però, dobbiamo tornare al punto di partenza.
Perché studiamo tutto questo?
Per poter fotografare meglio.
Non per sapere più cose.
Non per impressionare gli altri con la nostra conoscenza.
Non per possedere l’attrezzatura tecnicamente più sofisticata.
Studiamo la tecnica perché vogliamo avere maggiore libertà.
Se conosco il comportamento del mio obiettivo, posso scegliere consapevolmente come utilizzarlo.
Se conosco il mio sensore, posso sapere fino a dove posso spingermi.
Se conosco la luce, posso prevedere come cambierà la scena.
Se conosco il colore, posso decidere quando correggerlo e quando interpretarlo.
Se conosco i limiti della mia attrezzatura, posso trovare soluzioni alternative.
La conoscenza tecnica diventa quindi libertà di scelta.
Conclusione
Gli approfondimenti tecnici rappresentano una fase naturale della crescita fotografica.
Dopo aver imparato le basi, iniziamo a voler capire cosa succede realmente.
Non ci accontentiamo più di sapere che una determinata impostazione funziona.
Vogliamo sapere perché funziona.
E soprattutto vogliamo sapere quando utilizzarla e quando invece scegliere qualcosa di diverso.
Questo è il passaggio che trasforma la tecnica da insieme di regole a strumento creativo.
Impariamo che il diaframma non serve soltanto a controllare l’esposizione.
Che il tempo non serve soltanto a determinare quanta luce entra.
Che gli ISO non sono semplicemente un numero da tenere il più basso possibile.
Che la focale non determina soltanto quanto “zoomiamo”.
Che la nitidezza non coincide con la qualità.
Che un sensore non determina da solo la qualità di una fotografia.
Che un obiettivo non è soltanto una combinazione di millimetri e diaframmi.
E soprattutto impariamo che ogni scelta tecnica produce una conseguenza visiva.
È questo il livello di consapevolezza che vale la pena raggiungere.
Non conoscere tutto.
Ma conoscere abbastanza da poter prevedere.
Guardare una scena e immaginare il risultato.
Capire quali problemi potrebbero presentarsi.
Sapere quali strumenti abbiamo a disposizione.
Scegliere.
Scattare.
Controllare.
Correggere.
Riprovare.
E, con il tempo, fare tutto questo con sempre maggiore naturalezza.
La tecnica migliore, alla fine, è quella che non si vede.
Quella che rimane dietro la fotografia.
Quella che ci permette di concentrarci sulla luce, sul momento, sulla composizione, sulle persone, sul racconto.
Perché quando la tecnica diventa davvero nostra, smettiamo di pensare continuamente alla macchina fotografica.
Cominciamo semplicemente a fotografare.
E forse è proprio questo il vero obiettivo di ogni approfondimento tecnico: non diventare più tecnici, ma diventare più liberi di esprimere ciò che vediamo.
